我的電影夢

Funuke Show Some Love, You Losers!

窩囊廢們，讓我看看悲傷的愛吧！（腑抜けども、悲しみの愛を見せろ，2007）

0402.2018撰寫 

2018的金馬奇幻影展又熱熱鬧鬧的展開了，雖然搶票時間不知道為何設定在愚人節這麼奇妙的時間點，但真正心心念念要搶一點鐘的影迷才會對這件事會心一笑，跑影展有各大門路，其中想一睹為快的影迷，就有報名內場志工這個方法。

這次試片，雖然無法自由決定試片的片單，但意外的邂逅了這部<窩囊廢們，讓我看看悲傷的愛吧！>，相信大家對這個導演也不陌生，是<聽說桐島退社了>的吉田大八，但這部片卻是很少被提過，而且還是經典的35mm放映，在進入分享這部片內容之前，想先分享有關35mm放映的事情，各大影展都需要試片，為了保證放映品質達到一般標準，現在世界各大院線都因為美國製片公司的操作之下變成了DCP(Digital Cinema Package)放映，但因為金馬系列影展有著復古跟經典重現的精神，所以35mm在金馬影展裡面也是同樣不可或缺的角色之一，35mm放映說時在是一個麻煩又不實際的放映規格，因為35mm放映一部片是由多本組成，一本35mm底片大概只能承載13-20分鐘左右的影像，我們熟悉的電影隨便一部都會超過20分鐘，達至1小時半甚至2小時多，所以拍好的一部電影會分本成很多捲，這個在放映中就顯得相當麻煩了，早期不是自動放映機的時候，有一種職業是專門捲上底片手動放映的 (關於這種職業想深入了解可以看<新天堂樂園>)，在看到底片右上角閃爍著一個圓圈表示換到下一本的時間到了，這樣無縫接軌的一本接一本才能夠順利得放完一部片，在早期，這是一件浩大耗心力的工程，雖然現代有自動放映機，不用手動捲片，但仔細看快到分本點的前後還是會在畫面上看到很多黑色的顆粒，那是因為機師在換本的時候，手會接觸到底片，造成磨損，另外，放映太多次，底片也會越來越模糊，不是因為失焦，是因為耗損。所以35mm真的是一個極其需要呵護的放映媒材，在這個術為氾濫的年代裡，能看到35mm放映真的是要心存感激，偶爾的懷舊復古，遼望歷史的光輝也是影迷的樂趣之一。

  人生在世界上每天都在競爭，競爭之中一定會有高低之分，也許會很努力地想要成為自己，但在成為自己之前更想要的是成為所有人認同的樣子，在群體社會裡生存，成長，別人對自己的評價定位似乎超越一切成為了競爭衡量的高低，有人的專長喜好符合社會大眾的期待，成了人見人愛的風雲人物，有人則是與期待相悖，為了成為自己，在社會訂為了被貼上了怪胎的標籤，喜好根本沒有所謂的優劣之分，可是偏見之下，歡迎自己所習慣所熟悉的樣子成了無心的惡意。

  當你在乎一個人的時候，他的行為成為了你的全世界，故事裡宏樹是校園裡的帥哥，又是運動萬能，理所當然地吸引了少女們的傾心，其中一個是追著宏樹跑的痴女，他的世界裡只有朋友跟男朋友，沒有自己的存在，他是為了別人而存在，為了鞏固自己所擁有的幸福，而不去成為自己，而自負的向同樣傾心於宏樹的管樂社社長炫耀那些他自以為擁有的全世界，相反的，得不到宏樹的社長嘗試放下了對於暗戀的執著，回到了自己真正的價值之上，於是他獲得了真實來自內心的幸福感。沒有誰對誰錯，這是選擇的人生，只是社會價值觀的定義往往蒙蔽我們的雙眼，忘了讓自己是反思什麼才是對於自己來說真正需要的。

  電影社的社長跟宏樹又是完全不同掛的人，究竟為什麼他們會在結尾對彼此感覺到一點認同感？電影社的社長是一個完全忠於自我的人，他在乎別人的眼光，在乎他喜歡的人，但他卻從來沒有因為那些種種改變他自己，從來沒注意過桐島這個風雲人物，宏樹是一個很有體育才能但不知道什麼原因的不願意餐與棒球隊的活動，在最後我的解讀是他喜歡棒球，想打棒球，可是他不想丟臉，不想輸，排球隊沒了桐島感覺上士氣變的低迷，但是棒球隊卻不會不能沒有他，他雖然是桐島的好朋友，但他卻有一份自卑感，他沒辦法打好棒球。我認為他也是一個相當在乎別人看法的人，在乎到他不能自己做出決定，打籃球的原因是為了等桐島，和痴女交往的原因是因為桐島和癡女的朋友是情侶，他根本沒有愛著痴女，他只是單純的順應外界的期待，當他最後被社長說，你真的是很帥的時候，他明白到，桐島不在的時候他連自己想要做什麼都不知道，他根本什麼也不是。比起社長他更卑微地依附在社會價值觀之中。

  這個故事裡開頭說了很多次星期五，用不同的角度說一樣的台詞，光用畫面的改變，就能清楚地體會在校園裡不同的人擁有不同的關注點與心態。在敘事上其實很多時候他們的想法不是用說的，而是畫面、視線、舉動、行為，我很喜歡這中相對安靜的方式，手持的鏡頭，少少的配樂，突然被剪掉的畫面，時常用一片黑來轉場。

  另外我覺得很喜歡的是對於一個人在群體中被定位的徵兆，藉著大家的反應，以及角色的台詞眼神行動，還有像神或偶像一般存在的桐島，直至劇中都沒有出現。以及在拍活屍電影那種B即片的那種呈現方式。

熔爐

熔爐

  這部電影故事是由發生在韓國光州的真實事件，揭露一間聾啞學校內不人道的行徑，暗中使用性侵跟暴力對待學童，被害者與告訴方卻由於權力關係及社經地位皆處於弱勢，而得不到應有的權利保障。電影由孔枝泳編寫的小說<熔爐>改編而成，黃東赫執導，但主要能使電影上映，是由於主演孔劉閱讀小說大受感動之後決定大力促成電影製作。電影上映後讓韓國大眾正視此一事件，甚至通過《性侵害防止修正案》。性侵身障者、不滿 13 歲幼童，最重可處無期徒刑，並廢除公訴期，加害者如任職於社會福利機構或特殊教育單位，可加重處罰。

  起先會對這部電影感興趣是因為主演孔劉，最近火紅的電影、電視劇明星，但隨著電影故事的進展，注意力不在只是放在主角身上，而被劇情力道，無聲的恐懼所震懾，很多安靜的場面看了才真讓人覺得心寒，沒有活力，被恐懼籠罩的教室，看到那麼多證據可以證明犯罪的同時，無聲的社會現實面運行下，在判決下來之前沒發出聲音的黑暗吞噬了希望，大眾的無聲更是冷酷，並非對真相的不了解，而是閉口不談。

  看了這部電影讓我覺得，他不只是電影，而是像主角一樣是一個登高一呼，提醒大家關心自己身在的社會的一種傳媒娛樂，不只是滿足對看電影的期待，出了影院關了電腦還有下一段關於觀眾的故事，這就是社會議題電影的魅力，韓國和台灣是民族性、歷史還有生活型態以及產業類型上很相似的國家，但是為什麼台灣沒有<屍速列車>、<熔爐>，這樣的電影，前者也許是資金量的差異，可是熔爐卻是低成本製作，也有向<熔爐>這樣的社會議題和小說著作，可是少了一個公眾人物，或是有權利資金的人跳出來製作一部改變現實社會的電影。不期待像奇士勞斯基拍出<十誡>那種大師級的作品，但是在死刑存廢之上，課綱改制之上，一例一休之上，同志婚姻之上，也許可以發揮得好的題材比想像的多，比想像的有趣，大眾除了跟自身相關的事情之外缺乏興趣，台灣的現代人少了對自身社會的關心，電影的成功也許是最好的媒介，來引發大眾思考雖然說想光用電影改變世界有點太痴人夢話了，但是：。

凶暴的男人

北野武

  說到暴力美學，有很多傑出的大師，我欣賞其中丹麥的尼古拉斯・溫丁，美國的昆丁・塔倫提諾、法蘭西斯・柯波拉，日本不得不提北野武跟園子溫兩位，而在這邊我想提的是北野武，有關他第一部電影<凶暴的男人>，事實上北野武會當上這部電影的導演純屬於誤打誤撞，因為原為導演的深作因病退出，又因為一些繁瑣的事情，由北野武擔綱了導演，北野武曾表示若沒有接這部電影，他不可能開啟導演生涯。在這部片之前觀眾對北野武的印象可能就是一個漫才界的泰斗，電影明星，稍早之前他曾飾演大島渚<聖誕快樂，弗羅倫斯先生>裡一位刀子嘴豆腐心的流氓日本官兵，他的形象似乎在他出道於演藝界就已經定型了，一個粗野蠻橫，表情不多卻含有幽默感的硬漢，在電影裡他是堂堂日本大男人的形象，他拍的電影也是那麼粗野蠻橫，卻少了幽默，多的是對現實的嚴肅，關於北野武這個人，除了電影，書裡的北野武也是令人感動，他的文筆不華麗，卻銳利真誠，在<佐紀與菊次郎>，<超思考>裡面，了解他的出生背景，知道他怎麼看社會。在<佐紀與菊次郎>這本小品自傳裡，平實的書寫，清淡的描述，可我卻痛哭流涕，不是因為生長環境苛刻，而是出於母親最真的情感，以及一個渴望親情的兒子，對家人的誤解。在看了這本書之後，我了解到，北野武是一個非常會說故事的人，而且他只說最真誠的故事。

  凶暴的男人這部電影，有濃濃的黑幫色彩，電影一開始，就有一群男孩毆打流浪漢，在男孩們盡興而歸後，不久，北野武飾演的我妻刑警就敲上了其中一家少年的門，用毆打的方式逼迫少年明早來警局自首，少年被毆打之後說「我什麼也沒做」刑警便說「那我也什麼也沒做」這個開頭便形塑了主角，是一個不相信良善規勸，習慣以暴制暴的警察。後來可以看到主角做出更多違反所謂國民保母的舉動，連後輩都提問「為什麼當警察？」可是雖然他抽菸喝酒又賭還拼命跟人借錢，但身為警察本質的職務他做得很好，打擊罪犯懲飭惡人，並非常維護他的妹妹，但是，坦蕩蕩又不拘小節的我妻，成了很多既得利益者的阻礙。他是警察，但他質疑警察，因為長久做下來他明白警察也是人，根本不是什麼太乾淨的人，上面的人總叫他聽命行事，維護警察的形象，但真正罪大惡極的上司也只是表面儀表端正，事實上背地裡用不道德的方式賺了很多錢，甚至他身邊的新進，菊池先生，雖然辦事相當半吊子，但是他會恭維討好，在警署裡最後也活得很好，說「我也是聰明人」，事實上，是一個根本不用腦袋去思考的人。

  為什麼說北野武是暴力美學的大師，他的電影裡台詞並不多，每個人都用表情動作去說話，而打架火拼也沒有什麼花俏的鏡頭和動作，總是三四拳或一兩槍就結束了，多話對於北野武的電影來說就是多餘的，是一種解釋自己，場面話，或是為什東西辯解，求得同情或是諒解。他的節奏就是一次次的暴力，每個出拳看起來都是真的，扭曲憤怒痛苦的情緒都呈現的真誠。最後讓我很喜歡的是我妻刑警要找妹妹並跟殺手火拼的時候，最後他們全死了，有一個人開了燈說「一群瘋子」，後關了燈，這時，外面透進來的光像聚光都一樣照在我妻刑警身上。像在宣告說，為堅守自己正義的人終將一死。

  從前劇場人就有一個驕傲，就是要親臨感受舞台的魅力。但如今，媒體傳播娛樂發展的迅速，劇場也不在拘泥只是在舞台上了，有些戲劇是可以被複製，被搬上大螢幕的。電影確實就是大螢幕的戲劇，但是電影終究是對著攝影機演戲的演員，而舞台劇的伶人則是從靈魂掏出詞句來和觀眾做無形的互動。這部電影哈姆雷特的劇場實境秀，就是取其折衷，擁有電影的大特寫，攝影機多角度的取景，又擁有舞台劇的戲劇張力，動人的喃喃囈語，創新的舞台設計。但觀眾有其所好，必有其所惡，堅持戲劇本位的人會認為，因為攝影景頭的特寫，轉換會使得觀眾無法取景自己想注意的演員或擁有全景完整的觀點，另外身為電影人也許包容度會增加許多，畢竟電影屬第八藝術，有相當多表現的方法，但也不免會有些人認為場景不曾轉換是一個有點單調乏味之事。只能說，這樣融合的方式就跟很多新興產物一般，會有其支持及反對之立場，身為本篇   章作者的我則是樂見其成，因為這樣的融合，我能理解晦澀的英文台詞，又能享受原文的優美發音，如此更能深入哈姆雷特所糾結的苦難之中。這樣一個攝影運鏡及轉換有經過設計的劇場實錄的電影，我認為能引發更多人喜歡上劇場。

  再來談到文本的話，莎士比亞的戲劇為什麼能歷久不衰，甚至能在時代演進裡更多的是歷久彌新呢?從歷史的角度來分析，莎士比亞在寫這齣劇的時候大約是16世紀末期左右，當時義大利的文藝復興所提倡的人文主義傳到了英國，引發莎士比亞撰寫HAMLET這樣一齣劇人文情懷、理想和抱負的戲劇，丹麥王子是莎士比亞的投射，哈姆雷特是文武雙全，憂國憂民，懂得從個人思索到時代的王子，就算他被自稱是父親的亡魂慫恿他復仇，他也一直猶豫遲遲沒有下手殺掉篡了位又娶了母親的叔父是因為他不停地在思索驗證，他遇見的亡魂說的究竟是否是真的，又當他單純的殺掉叔父報了一箭之仇之後，這個國家會變得怎麼樣，又是否能真的讓猝死的叔父懺悔？哈姆雷特是一個理想主義者，但當他的理想無法實現，抱負無法施展，他就覺得事件只是道繁華虛無的帷幕，而想追尋了結自己一途，「TO BE OR NOT TO BE？」，生存還是毀滅，最後選擇生存是因為就算他厭惡及活著的苦難，依舊背負著國家王子以及父親之子的責任，奪取奸謀者的性命。最後他循著自己的意念被命運殺死了，可仍交代他最好的朋友不要忘了傳送他的悲劇，改變下一個時代。此劇完美的詮釋的人文主義的精神。另外，又從角色的觀點來看，莎士比亞刻劃的是雋永的人性，不只是16世紀的人們如此，在21世紀的現在，人們依舊有著相同的苦難掙扎，人倫悲劇藉著不斷的經離判道一再上演，對於自我存在的意義也不停的在摸索與探討。莎劇裡的台詞超越時空的藩籬，感動數個掙扎著了解生活的人們，遼望智慧的永恆光輝。

  哈姆雷特被不同時代、不同國家詮釋過了數千數百萬次，但在這部電影裡則以女人詮釋哈姆雷特，為什麼如此？？一句台詞：「脆弱，你的名字是女人。」卻由一名女子來演繹，不荒謬嗎？但我覺得會這樣的安排反而是一種女權崛起的象徵，女人也能是悲劇英雄的象徵，也能是憂國憂民，有理想抱負的人文主義者。也因為在這樣的角度裡，瞧不起女人的台詞成了一種自嘲，歧視的意味變得沒有那麼強烈了。劇場的設計裡，角色穿的也不在是中古世紀繁華笨重的戲服，而式簡約優雅的時裝，畫面看起來更加乾淨整潔。我特別喜歡的部分是先王的靈魂再出現之時，他使用的是燈泡至天花板垂下來，微光忽明忽滅的照在哈姆雷特及先王臉上，產生一種迷茫恍惚的不真實感，彷彿夢境一樣。另外一場是埋葬奧菲莉亞的戲，使用的並非棺材或是屍體，而是一件奧菲莉亞的衣服，而埋葬用的墓土也以一件件的衣服作為象徵，不只讓舞台變的整潔鮮明，還讓我覺得這樣的表現呼應死後的人們都將歸於塵土的隱喻。但是我覺得最沒有創意的就是最後一場比劍決鬥，我覺得它就只是把它給演出來了，這算是本齣戲裡劇情最荒謬的一章，他並沒有讓把悲劇的荒謬迷人之處展現出來，反而讓荒謬的戲劇變得更加可笑。這是電影虎頭蛇尾稍微令人嘆息之處。

史丹利庫柏力克是一個涉及類型很廣泛的導演，檢視他的較為有名的作品列表中《一樹梨花壓海棠》(1962)、《奇愛博士》(1964)、《2001太空漫遊》(1968)、《發條橘子》(1971)或者是本篇想討論的主題《鬼店》(1980)，從悲劇劇情、諷刺喜劇、太空史詩，到驚悚類型都涉獵，在他的電影裡可以感覺到很強的新奇感，他的作品非常標新立異，用不同的角度呈現一種類型，沒人會想到可以這樣拍未來世界，把太空科技和人類發展搭配《查拉圖斯特拉如是說》表現得像史詩一樣。鬼店也不太像其他驚悚片一樣使用一直有人死去或是血淋淋的畫面怵目人心，而是使用蒙太奇的方式迅速呈現本片最血腥的雙胞胎被斧頭砍死的畫面，最令人驚悚的部分反而則是在危機的暗示還有角色瘋狂的表現。另外庫柏力克之所以會有那麼多類型的嘗試在於他不喜歡重複的事情，討厭單調和枯燥是成就他作品多樣的原因。而他的電影也多半來自小說改編，但是其改編的劇本都跟原著有相當大的差異，庫柏力克對於自己的作品要求相當大的自主權，所以在後來他移居到英國沒有再回好萊塢拍片也有一部分是因為他想要脫離好萊塢的片場制度，來取得拍攝電影完全的控制權。好萊塢1960年代以前算是舊好萊塢，每個人都需要經歷從好萊塢當小助理開始慢慢磨練才會成為獨當一面的導演，但是1960年代之後開始有一些像法蘭西斯柯波拉和馬丁史柯西斯，跳過助理的階段，直接躍升為導演，庫柏力克更是異類，他認為拍電影不需要念電影學院，甚至只讀了一本電影書，他的興趣只是攝影跟西洋棋，這大概也是促成他的作品如此特異的原因之一吧。他在電影上的成就除了創造新的電影詮釋方法，在畫面和古典樂的運用上有很大的成就，另外就是畫面的構圖以及色彩的搭配。在拍《鬼店》時另外的突破是在攝影上，在一九八零年以前，一般手提攝影是放在肩膀上，因此都會晃動，到庫柏力克那個時候，就發明出「crane」一種可以固定攝影機的活動吊臂，這種拍攝手法使《鬼店》成為影像風格非常突出的一部電影。

  就《鬼店》這部電影來說，算是庫柏力克晚期的電影了，電影攝製於1980年，有一些庫柏力克喜歡的運鏡方式，就是長廊的推軌、畫面走動的平移，還有逐漸特寫的臉孔，以及由極度下方往上角度拍攝(使角色給予觀眾高度的壓迫感)等等。庫柏力克的畫面特別多有延伸感長廊式的空間，也因為有長廊，畫面大多對稱，色彩構圖有一致性，由鮮艷的色調擁有相當好的視覺感，在製造混亂的人性表達中卻還是有乾乾淨淨的畫面，高度的反差也因此完美的視覺化了。另外很棒的就是電影暗示的符號，有很多即將發生的危機場警、情緒或是色彩都在前戲裡埋下了伏筆。像是飯店外的迷宮、因為過度壓抑而產生的瘋狂感，或是天氣的顏色的轉變。而且《鬼店》使用的驚悚是更深層的，除了氣氛製造的緊張以及角色瘋狂的表現之外，畫面的暗示也埋了一個更深的人行為上的驚悚，藉由與裸女的接觸與他擁抱兒子的畫面暗示主角杰克其實是戀童癖，他對於自己的兒子有性虐待。也藉由女主角在找兒子跟逃離丈夫的追殺下目睹一對詭異的同性戀畫面，暗示她發現自己的丈夫是同性戀。另外《鬼店》的角色設定，主要角色裡，有一對男女主角夫妻、一個小孩、一個黑人廚師，這類驚悚片運行似乎總有一套公式就是黑人、或是看起來最強壯有用的傢伙會先領便當，然後再來才輪到居於弱勢無辜的角色會受到威脅迫害，可是看似弱小的女主角這時候就會來個絕地大反攻，意外的能幹，帶著小孩脫離險境，加害者最後也會受到報應。雖然整部電影讓人看起來是這麼不舒服，但是有一個脫離險境的結局讓觀眾會因此大大的鬆了一口氣，此類劇情的設定充分的挑逗了觀眾的情緒。雖然庫柏力克是一個感覺上完全不按常理走的導演，但是對於類型電影仍有遵循一套公式再運行，有些瘋狂越是沒有條理的東西就越是需要有一套公式邏輯來成立它的荒謬可信性。《鬼店》不同於其他驚悚片還有一個部分是，驚悚片的場景大多發生在陰森的老房子或狹小的空間，在《鬼店》裡面，卻看到它的燈光總是很亮很溫暖，空間也相當寬敞華麗，但是仍能感受到因為其它束縛力，而無法脫逃像詛咒般的噩夢。

  這部電影的世界觀相當接近我們的現實，也就是一個未來我們社群網路越來越中毒的時候，為了注重關注率和粉絲人數可以送斷性命的社會現象。電影的風格跟設定可以說我滿喜歡的，青少年的節奏，流行音樂，畫數不高的手機錄像，特異的鏡頭角度和運鏡，追求刺激的遊戲設定，迷人的男女主角，如果要追求爽片帶來的快感這部電影肯定可以好好地滿足觀眾。

  因此我們先談談這部電影最大的賣點在於它有很多迷人的元素，有宅女的成長和天菜交往的過程，像闖關一樣的劇情發展，青少年流行風格，鴛鴦打進準決賽的對峙場面，多次扭轉危機的轉機。所以<飢餓遊戲>賣座也是因為這些元素，這些是最容易產生共鳴跟吸引觀眾的元素之一，繼飢餓遊戲之後的<分歧者>其實也有很多雷同的部分，雖然故事完全不同，人物設定也有很多歧異，但是從最根本分析起來其實這些電影都是套了同一套公式，即使如此觀眾還是照單全收，因為一套公式有多種變化，不去仔細計較核心概念的話，每一部電影都還是有他的新奇感。

  但要說缺點的話，我會提到劇情力道的部分，雖說前面看了很開心，也很能理解劇情，但是到了後面有些真相開始曝光的時候，角色的動機變得太牽強，大家開始變得沒什麼強烈的個性，只是在繞著女主角轉而已，而且遊戲設定是挺有趣的，可是危機感太弱了，結尾的時候根本不知道為了什麼而鬥爭再一起，而且到底是為什麼突然排出最後的排名的？到電影的後來我覺得我只是因為角色這麼說，所以我才這麼理解的，變得在被台詞逼迫著接受劇情發展了，不過讓大家退出NERVE的方式我覺得滿酷的，也有重擊到重點，回扣主題。

  我覺得這是一部有鎖定觀眾群的類型電影，大概就是青少年左右的，不知道大家看完能不能不要在滑寶可夢了，資料都被盜走囉

羅生門

  這是一部芥川龍之介的短篇小說集改編的電影。說到羅生門，大家大概都會想到的意義是真偽的撲朔迷離，無解的局面，但其實芥川龍之介的羅生門並非這樣的意思，在短篇集羅生門裡，故事是這樣的：一個剛被解雇的賤民漫無目的的上了羅生門(京城門)的二樓，看見了一名老嫗在拔取無名女屍的頭髮，上前喝止，只道老嫗道：「生前這名女子把蛇皮曬乾上街作為魚乾販售，只是為了求生存，而我拔了他的頭髮賣給假髮店，也只不過是為了求生存。」賤民聽了打昏老嫗，剝光她身上穿的衣服，然後如此說道：「那我剝光了老嫗的衣服上街變賣也只不過是我為了求生存的一種辦法。」賤民走入了黑暗的街道頭也不回地離開了。

這樣的一個故事是在探討人性，探討生的意義。

  而電影羅生門又是什麼樣的故事呢？這部電影原稿是由橋本忍先生取同樣為芥川短篇的<竹林中>改編成劇本的，故事的大綱是一對夫妻在竹林中遇到一名強盜，作惡多端的強盜看上了妻子的美貌打算占為己有，於是設陷阱騙了丈夫，把他綁在松樹上，讓他看著自己的妻子被玷汙，而最終丈夫被人發現死在竹林中，案情撲朔迷離，大家自說自話，丈夫的妻子的跟強盜的證詞都無一吻合，到了結局仍沒有答案。

  這是一篇很有衝擊性的短篇集，為什麼大家的證詞會不一樣？不是有人說謊就是大家都說謊，為什麼要說謊?無惡不作的強盜說謊可能是因為本性惡劣，但夫妻倆又為什麼證詞不一呢？我們先回到原點，為什麼人會有說謊的習慣？看了黑澤明電影詮釋，我認為那是因為人都會有軟弱的一面，為了掩飾軟弱，會用說謊讓自己變得能夠被原諒，因此這事件讓我們覺得世間充斥了謊言。

尋找甜秘客

    曾想過無心插柳柳成蔭這樣的事情只有奇蹟出現才會發生嗎?當然不會，意外的驚喜處處都可能發生，這部電影是真實發生在世界上，音樂界的傳奇。在美國二十幾年前以為賣不動的藍調專輯，竟然在遙遠的南美造成劇烈的轟動，還成為引發反叛種族隔離思想的音樂潮流，然而身為創作者竟全然不知情，究竟這是怎麼樣的一個傳奇故事呢??

  本片以紀錄片的形式，揭開一個充滿謎的歌手，羅德里格斯Sixto Rodriguez用獨特的嗓音響遍小酒吧、俱樂部、沒人的空屋、劇場，被發掘錄製成專輯，準備大賣之後，投進市場的大錢和期待，卻一點也沒有回應，多數的美國人仍不知道這號人物，而南美人都知道這個人卻對天天聽得到的歌聲一無所知，雖然保持神祕也是擁有一股傳奇色彩，但對於粉絲的好奇心，記者還是出動了，並且促成了這個感人的故事。這個紀錄片有點辛秘大偵查，透過好多個點，層層剝開，最終才發現祕密的真相，看起來饒富興味，在劇情設計上他也很懂得觀眾是誰，先做了一個假設預設立場，之後才和採訪者一起驚喜，沒有全知者的那種從容，而是被突然的轉折出賣情感。

  因為紀錄片是一種敘事的影像，所以剛開始的時候我補免得感到無聊，也因為語言不同無法很融入劇情，但是就在唱片製作人開始緬懷羅德里格斯那一段，他向一個小粉絲一樣提到羅德里格斯，並撥放起他的那首<cause>，露出懷才不遇的好像是他本人一樣的那種表情，我才深深受到羅德里格斯的故事吸引。想著原來聲音的影響力有這麼大呀，可以因此記得的另一個人那麼久，那麼深。片中有很多羅德里格斯專輯裡的插曲，隨著故事的進展，可以感覺到，雖然他創作的歌曲並不多，但每一首句句都是他的人生、他的故事、他的城市，他就像是一個默默無名的城市詩人，先將生活寫成詩，再將詩寫成了歌曲來唱。

  在技巧部分我很喜歡的地方是，很多鏡頭並非用的是同一種畫質的攝影機，在看演唱會的那段用的是很普通的攝影機，不知道是不是故意的，但那樣很有身為一個粉絲來看演唱會用自己手機或相機錄的感覺，情緒感覺更加貼近了台下的每一位。有的也像家庭紀錄片那種感覺，畫面顆粒很大，卻有很多歡笑。另外羅德里格斯在面對鏡頭的時候很多時候總帶著墨鏡，有時是背對著攝影機默默彈琴的身影，也有時候是不停的行走搭配著自己的嗓音的背景樂，這樣的鏡頭都透漏了這個人的性情和格調，話不多不高調，很有個性。

來自星星的傻瓜PK

  寶來塢一向有很多的電影，但是有名至國際卻是寥寥無幾，和好萊塢每年的強檔片源是完全沒得比拚的，但是也因為寶萊塢的競爭這麼大，能在台灣院線看的見的幾乎都是萬中選一的好片，從<三個傻瓜>、<星星的孩子>到<我是可汗，我不是恐怖份子>，每部都是發人深省的社會議題片。這次印度三大天王之一阿爾米罕再度擔綱主角一職，更是沒讓寶萊塢票房失望，<來自星星的傻瓜PK>，是一部探討宗教信仰意義的電影，由來自外星的生物客觀的評論所謂的宗教，不帶任何主觀宗教歧見或是一昧為反對而反對，沒有特別強烈控告的字眼，而是提出真情的疑問，真實的不合理，讓全世界擁有各式不同宗教的信徒，發自內心的再一次省思。雖然台灣譯名實在爛到不會讓一般人走進戲院了解詳情，尤其是反韓和搞不清楚PK是什麼的人，預告和宣傳海報也沒什麼看頭，但一旦你看過了這部電影，你會迫不及待地告訴你的朋友們，不能錯過有一個來自星星的傻瓜，主角叫PK的電影。

  看寶萊塢的電影你不得不說那很新奇，跟習慣口味的好萊塢不一樣，沒有預期的敘事節奏，結構公式沒發現什麼不同，但就是哪裡看起來怪怪的，也不懂幹嘛一直唱歌又跳舞，這樣印度式的情緒表達方法跟對白比起來是完全不同的感覺，不禁也想要搖擺身體，同感角色的歡喜，角色的憂愁。

  在看電影的時候，我注意到故事的進行是以女主角(JAGGU)的時間在進行，所以進行的方式就是有點章節式的，以她與男友感情分離做一個分野，這之前是男(PK)女(JAGGU)主角不認識的時候，都是一個主角的遭遇演完後才換了另一個故事，在演男主角的時候，根本沒有對白，而且畫面看起來荒誕無稽，又淒涼，而女主角卻是歡樂又歌又舞，卻同樣是悲劇收場，兩個失意人在相逢之後他們的冒險才正式開始，不過這裡我覺得我的情緒有點被中斷，在PK開始講他的過去時，我感覺我已經完全是在看另一部電影了，少了一種順暢感，但並不妨礙理解劇情。在這之後，可以發現他們任務目標都鎖定了，那就是操控兩人未來的大魔頭教主，於是勇敢的女主播就和直言不韙的怪異流浪漢組成搭檔，對教主一次次提出犀利的質疑，勝利漸漸指向兩人時，PK心裡還對JAGGU產生情愫，正當一切貌似勝券在握時，慘劇一件件發生，剛才高漲的情緒一下跌到了谷底，不禁讓觀眾質疑，主角到底能不能為幸福扳回一城，真情流露後，情感不在是想歡樂叫好，而是留下欣喜和惋惜的淚水。

  所以宗教究竟是什麼呢?上帝究竟是誰呢?這部電影告訴我們，只有創造我們的跟我們創造的，所謂宗教戰爭也只是自我意識形態的鬥爭，大家用自己創造出來的神在打仗，無異也只是在爭一個尊嚴而以而非真正的崇敬看不見的力量。

若要問我最少接觸的電影類型，那就屬紀綠片了。

為什麼呢？因為紀錄片是最沒有劇情的類型了，雖然真實是它的特色，但是若無法好好掌握寫實的意義，以及電影的語言的話，將很難以吸引觀眾，像今天看的第二部<調查父親>，我就不小心給他睡下去了，我印象中生平第一次在電影院裡看電影看到睡著，因為他的紀綠片比較像是採取一種在看剪報或是報告的方式，一張張舊照片登場，但是映後座談吳文光導演用一種非常有道理的說服我他拍電影這種悶得不得了的方式也是有它的道理，引用了別人的話，他如是說道：「若是你左邊坐了一個醫生，右邊坐了一個律師，那你要拍的滿足醫生還是律師了？不如滿足你自己吧」，他主張了一個電影的個人主義風格，我是覺得這樣也沒什麼不好的啦，只是下次進電影院的時候我想我會敬謝不敏這樣的風格了。

  對於今天的觀影心得我想多著墨的部分是在夢繫盧森堡，我就覺得這部紀錄片拍得滿有韻味的，沒有像訪談那樣無聊的挖掘資料對話的產生，也不是純粹的跟拍前進鏡頭，夢繫盧森堡是由三位導演共同構思的劇情式紀錄片，我在這說的劇情式紀錄片指的並非有刻意場面調度或是人為編劇安排的情節，這部電影是真的純粹的紀錄片，沒有作假部分，在電影裡角色扮演的身分都只是他們自已而已。我會說他像是劇情片式的紀錄片的原因在於，我們不了解的部分理所當然的得問角色讓他們親口闡述，但這一部裡提問的身分變成了被提問者的友人，他們看起來就是很純粹的在聊天，看起來很輕鬆，又容易了解。那種單板無聊的氣氛也不至於感染給觀眾了，另外他在很多角色獨處的時候，用漂亮的畫面構圖呈現了藝術片的氣息，在段落裡也不時地留了對話的空白，讓角色對視或是看相別處。說起來雖然紀錄片的觀眾群比較小眾，但是紀錄片有很多其他類型的電影呈現不出來的一種質感，成本雖然是最小的開銷，但是花費的時間卻是最大量的。這一部電影花費了三位導演五年的時間，培養看角色的羈絆，在拍攝上能自然呈現。

  映後座談的時候出來的是一位講著法語的導演，我想那大概是盧森堡人，被問了很多問題，觀影者多很踴躍，尤其不知為何的，有不少大陸口音的同胞，大概是大陸看不到這種題材的電影吧，與我同行的友人如此說道，就覺得說真的台灣是一個相當幸福的國家，資源不算少，而且思想頗為開放，大家也都有話就說，不過有時候看了像那些學運之後就會覺得台灣是不是很多瞎起鬨的人，無知而盲目追尋，很多人沒真正了解就大聲說話，而且有好資源卻不多人參與，白白讓大陸人佔領。雖然這麼說好像我是一個沒有上述問題的人，但其實我也只視茫茫群眾裡的一小點，只是正想辦法不讓自己那麼無知而已。

年輕氣盛的少女們，急著去感受世界，呼吸生活，把自己看得太重。比起枯燥乏味的真實，我們更愛美麗的欺騙。

  也許對於女孩來說，最幸福的就是找到一個愛你的人，找到一個讓你虛榮的處所，而年輕的本錢就是看似時間永遠也花不完，不用擔憂未來，向減肥一樣，永遠是明天的事情。

  當然年少時代最美好的事情就是義無反顧地去體驗愛。當一個純真的少女遇上迷人的中年男人，戀情是很容易催化的，我並不想表示自己很懂，因為我根本沒談過真正的戀愛過，但是，我卻知道如何輕易對年長很多的男子動心，也知道對於這樣的動心需要多少勇氣和決心才能夠再多踏上一步。故事裡的大衛之所以能夠吸引珍妮那麼多，一方面也是他過於聰明，讓他有更多的心力去認為生活的無味和沒意義，另一方面又在於，成人世界那些奢華奇妙讓他不甘只是一個少女，在珍妮的初夜裡，她告訴大衛，她不要兒戲，要他把她當成一個成人。大概打從我們小時候學著穿著媽媽的衣服、高跟鞋，擦著口紅指甲油時，我們就已表明想快點成長，女孩是知性又感性的。

  我想我看了這部電影比較像是在自我投射，把這部電影當一個娛樂，而非一個欣賞藝術的眼光。